Kevin Best es un fotógrafo norteamericano cuyas fotografías reproducen pinturas realizados por los grandes pintores Europeos del siglo de oro.
Compra piezas de porcelana, copas de vidrio, cubertería, ropa, candelabros de bronce… y reproduce meticulosamente bodegones y retratos como si el tiempo se hubiera detenido en el 1700.
Las fotografías están tomadas con una técnica impecable y originalidad .
Los bodegones me parecen una pasada.
Explícanos cómo es un día habitual en tu trabajo ¿Porqué elegiste la Fotografía? Por obligación en realidad. Por aquel entonces tenía una academia de Informática. En un momento dado me vi obligado a impartir cursos de Photoshop y necesitaba tener al menos unos conocimientos mínimos de fotografía. ¿Cómo comenzaste en la fotografía? ¿Fue siempre tu pasión o una vocación tardía? Pues te puedo decir la fecha exacta, 1982, que fue el año en que el grupo Ilegales publicó su primer LP y en cuya portada aparecía una fotografía que me dejó en shock; se trataba de un trabajo de Ouka Leele, persona de quien no sabía nada. Por aquel entonces uno de mis hermanos se había comprado una Praktica y aunque en aquella época Internet todavía no existía y por tanto el acceso a la información era más escaso y complicado, poco a poco me fui enterando de la técnica de trabajo de Ouka Leele. Eso, junto con una colección de fascículos que comenzó a publicarse en esos días , fueron los alicientes suficientes para lanzarme a comprar unas acuarelas líquidas, salir a la calle con la cámara y emularla. Desgraciadamente los costes eran excesivos para un chaval de dieciséis años y poco a poco me fui olvidando de todo ello. El retorno fue como expliqué antes por necesidades profesionales, pero esa necesidad revolvió aquellos tiempos de la adolescencia y con el abaratamiento de costes del mundo digital todo fue más fácil. Sin duda, pasión¡¡¡¡¡, siempre pasión¡¡¡¡ ¿Qué otros fotógrafos te han influenciado? Por lo dicho anteriormente desde luego la genial Ouka Leele aunque más que influencias fotográficas yo diría que lo que siento es admiración por muchos de ellos, ya que considero que mis influencias vienen más del mundo de la música, el cine y la literatura. Gente como Saudek, Mappelthorpe, Pérez-Mínguez, Irving Penn, clásicos de la Magnum,….etc son grandes fotógrafos que nunca dejan de sorprenderme por muchas veces que haya visto sus fotografías. Los fotógrafos rusos también son de admirar ya que tienen una visión muy particular y atractiva a la hora de componer, son realmente sorprendentes. Si tuviera que nombrar una influencia clara fotográfica nombraría sin dudarlo a Amador, fotógrafo amateur que podéis encontrar en Exodos. Le conocí en la época en que coincidimos en Ojo Digital, época en la que me dedicaba a fotografiar paisajes, retratos familiares…nada que ver con mi fotografía actual. Por aquel entonces Amador realizaba un tipo de fotografía muy conceptual y sorprendente; mezclaba magistralmente diferentes elementos que a priori no tenían ninguna relación entre si y eso me dejaba con la boca abierta. Supe qué tipo de fotografía quería hacer y un buen día me lancé a ello fotografiándome a mí mismo en diferentes fases de un corte de pelo para terminar montando un collage. Técnicamente el resultado dejó mucho que desear pero para mí posiblemente sea la foto a la que tengo más cariño y desde luego abrió mi mente.
¿Cómo es el proceso creativo habitual en uno de tus trabajos? Normalmente parto de una idea, un borrador, bastante abstracto. Un objeto, una situación, un sentimiento; entonces empiezo a pensar cómo desarrollar la escena compositivamente y cuando lo tengo claro lo demás suele venir solo. La iluminación correcta para expresar lo que quiero, el atrezzo, la situación….todo ha de ir encaminado a un propósito inicial, todo ha de llevar una intención clara, incluido el procesado posterior si es que lo va a llevar. Unas veces te acercas y en otras la improvisación juega un papel importante e incluso el giro total de rumbo. No es raro que partiendo de una idea inicial, en el momento que estoy haciendo la foto, trabajando en la composición o en la iluminación surjan otras variantes más interesantes o como digo, incluso una idea totalmente distinta. Dese luego, pase lo que pase después, lo fundamental es tener muy claro ya en la cabeza qué es lo que se quiere hacer, incluso dibujarlo en un papel con todos los datos, colocación de los elementos, situación de las luces, qué tipo de exposición voy a utilizar…etc. Lo último antes de hacer la foto es rezar para poder acercarte un poquito a lo que tu cabeza imaginó previamente J . ¿Cuándo no hay inspiración qué haces para recuperarla? Cuando me encuentro saturado, y por lo tanto generalmente bloqueado, o directamente sin ninguna idea, suelo hacer una salida y dedicarme a hacer fotografía urbana y paisajística; vuelvo un poco al principio. Es un tipo de fotografía, sobretodo la paisajística, a la que dedico poco tiempo y que realmente me gusta hacer de vez en cuando. Me relaja, me despeja la mente y siento, y con esto no quiero decir ni mucho menos que sea más fácil, que la fotografía vuelve a ser sencilla, es más un sentimiento que una cuestión técnica. Estas salidas me facilitan el pensar en nuevos caminos que me apasionen y me lleven a un resultado; porque la inspiración no es algo mágico, sino el producto de poner en marcha tus neuronas. Si las has puesto a trabajar aunque en un momento dado no veas salida, cuando menos lo esperas la solución llega; pero llega como producto de ese trabajo previo, no por si solo…aunque siempre hay alguna excepción. ¿De cuál de tus trabajos estás más orgulloso? Más que de un trabajo en concreto de lo que me siento orgulloso o razonablemente satisfecho es de haber comprobado que tengo la capacidad de llevar a cabo una serie, de desarrollar una temática y no realizar sólo fotos sueltas. Series como “El Muro de Pink Floyd”, “El frigorífico de Breton”, “Bukowski” o la última que he hecho, “Luz negra” son ejemplo de ello y podría decir que sí que me siento orgulloso de ellas. ¿Qué es lo que mas te gusta fotografiar? Fotografía conceptual y retratos. La primera me da un grado de expresión máximo, tengo libertad total para plasmar una idea. Los retratos son algo en lo que pienso trabajar más en un futuro muy próximo; me resulta atractivo el hecho de buscarles una óptica particular, buscar algún rasgo de la personalidad del retratado y tratar de ser capaz de mostrarlo. He hecho bastantes autos de los cuales el 99% son en realidad conceptuales, disfraces que me sirven para una escena, una situación, un personaje….., pero esto es distinto. El retrato persigue capturar la esencia de la persona y eso, sobre el papel, me resulta muy estimulante.
¿Cuál sería tu equipo fotográfico perfecto? El que tenga en cada momento. No tiene sentido pensar en que me gustaría tener aquello o lo otro, lo importante es pelearte con lo que tienes, conocer sus virtudes y sacarle el máximo rendimiento. Parece un tópico pero realmente es así; por ejemplo la serie de “El Muro” fue hecha sin ninguna luz, sirviéndome de lámparas, linternas y flexos que tenía en casa. ¿ Que me hubiera venido bien tener los flashes que tengo ahora?…pues sí, pero eso no impidió que hiciera la serie. A medida que vas creciendo, adquiriendo más conocimientos, deseas más aparatos y poco a poco te vas haciendo con ellos porque sin duda te van abriendo caminos, posibilidades; pero la carencia de ellos no es excusa, simplemente adáptate a lo que tienes y sácale partido. Photoshop ¿si o no? Claramente sí, para mí este debate es estéril y sólo interesa a un grupo de personas….en realidad es un tema que me aburre. Personalmente estoy en una fase en la que me obligo a mi mismo a intentar utilizarlo lo menos posible. Pero esto es así puramente por cuestiones disciplinarias y de aprendizaje; mi objetivo actualmente es tratar que la foto que salga de la cámara sea el 99% de la foto final y sólo tenga que hacer pequeñas correcciones y el necesario enfoque. Este planteamiento me obliga a esforzarme al 100% en todo lo relacionado con la fotografía que me dispongo a hacer. Me obliga a cuidar la iluminación, a cuidar la exposición, la composición, los detalles (muy importantes), y en definitiva todo lo que supone una fotografía. Pero por supuesto que sí, Photoshop es una herramienta más de la fotografía. Otra cosa es el falseamiento de fotografías de periodismo, social…etc; ahí creo que se debe limitar a los retoques básicos de contraste, brilllo, enfoques, recortes pero siempre salvaguardando la realidad que se ha fotografiado. ¿Cuál es la fotografía que nunca harás? J …nunca digas de esta agua no beberé. Quiero dejar claro que una cosa es qué tipo de fotografía te gusta hacer y cuál te gusta ver. En ese sentido admiro mucho a los macreros, ser capaces de mostrarnos todos esos bichos con ese nivel de detalle y acercamiento es algo que impresiona al observador, que me impresiona a mí; pero de ahí a que me ponga yo a practicar ese tipo de fotografía hay un camino muy largo, infinito diría yo. Aunque nunca se sabe, no me gusta cerrarme puertas innecesariamente. ¿Se nace siendo fotógrafo o se hace? Bufffff, y yo qué sé¡¡¡¡. Lo que está claro es que para cualquier actividad que desarrolles en tu vida puedes tener un aprendizaje y ser bueno en ello, pero si además tienes algo más, algo indefinible, los resultados sobresalen de la media. Supongo que en la fotografía pasa exactamente lo mismo. ¿Qué sientes que te falta por aprender? Me falta todo, y no tengo prisa. En lo que estoy metido de lleno es en trabajar la iluminación y su correspondiente exposición. Considero la luz como una herramienta de expresión, de hecho la más potente para mí y conocerla es o debería ser una obligación para cualquier fotógrafo, ya sea aficionado o profesional. Y es en este campo donde más me estoy implicando y tratando de aprender. Para conocer más sobre José Badás Ramos http://josebadas.blogspot.com/ http://www.flickr.com/photos/jose_badas/page2/ Una entrevista de Ana Belén para de la A a la Z. Todas las fotografías que aparecen en la entrevista están protegidas por los derechos de imagen y queda terminantemente prohibido su uso. |
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Allá por el 1997 comencé con esta afición que me ha dado tantas satisfacciones, el diseño.A día de hoy he pasado por diferentes etapas dentro de este mundillo, conociendo tanto “soft” como he podido para llevar a cabo mi afición.
Mi mayor hobbie es el Arte Digital donde a través de mi cámara de fotos y programas como Photoshop o 3ds Max he conseguido gran parte de mis obras, y gracias a este gran hobbie a día de hoy trabajo como Infógrafo 3D. Otro gran hobbie con el que llevo menos tiempo es el diseño de maquetas de papel. He de reconocer que hasta ahora las maquetas de papel solo las conocía como constructor de las mismas, pero ha sido realmente gratificante poder conocer el proceso para su diseño, gracias al cual ahora no solo me dedico a construirla si no que además hago mis propias maquetas. Tal como ya he dicho, a día de hoy me dedico profesionalmente a la Infoarquitectura o Infografía 3D, aunque a lo largo de estos años he tenido la suerte de participar profesionalmente en distintas actividades relacionadas con el mundo del diseño. Entre ellas fui profesor de Photoshop Avanzado en ESNE durante cuatro años, donde pude desarrollar mi primer libro sobre el uso de Photoshop el cual era usado para impartir el temario. Aparte he participado durante cuatro años en Campus Party como colaborador y ponente, donde impartí 5 ponencias sobre Photoshop y Fotografía. Además he hecho el diseño de varias escenografías para teatro y diseño de carrozas para carnaval. Seguramente me dejo algo en el tintero puesto que todo lo que haya estado relacionado con el diseño ha llamado mi atención. Solo me queda darós la bienvenida a esta vuestra casa y espero que todo lo que aquí encontréis pueda servir de ayuda para aquellos que empiezan en este mundillo. Un saludos a todos Tripiyon |
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Trabajo realizado desde cero en Photoshop, por medio de ir incluyendo imágenes y dibujando casi en su 50%. Se puede ver todo el proceso de realización. |
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Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield, Ohio.Como otros grandes fotógrafos, no pensó nunca dedicarse a la fotografía.Su motivo de estudios fueron inicialmente la escultura y el dibujo, para lo que se desplazó a Berlín y Paris en 1920.
Trabajó como asistente de laboratorio del fotógrafo surrealista Man Ray, que ejerció gran influencia sobre ella. En su primera etapa se dedicó al retrato de personalidades célebres, llegando a realizar exposiciones individuales en galerías de renombre en Paris, cuestión importante teniendo en cuenta su condición de mujer. De la mano de Man Ray conoció a Eugène Atget, ya comentado en nuestras páginas, que le transmitió sus formas de hacer en fotografía documental, ya que establecieron una estrecha colaboración hasta la muerte de Atget en 1927. Consiguió adquirir gran parte de su archivo, que custodió y empleó hasta cederlo en 1968 al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regresó a Nueva York en 1929 y casi reprodujo fielmente las formas de hacer de Atget en Paris en la ciudad de Nueva York, completando en 1939 el estupendo trabajo titulado “Changing New York”, que ofrece todo un documento sistematizado de los cambios arquitectónicos que se fueron produciendo en esta ciudad, sobre un encargo de la Administración. Entre los años cuarenta y sesenta se dedicó intensamente a la publicación de libros y al estudio, desde la fotografía, de diferentes y variados fenómenos físicos. Impartió clases y se dedicó a la realización de sus trabajo denominados “Ciencia” y “Escenas Americanas”. En uno de sus proyectos, que versaba sobre la documentación de la Carretera Nacional 1, que discurre desde Florida a Maine, descubrió está última ciudad y trasladó su residencia a ella, donde falleció el 9 de Diciembre de 1.991, hace poco más de una década. |
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Este tutorial fotografía bokeh le mostrará cómo sacar una foto con un fondo desenfocado con una cámara réflex digital y poca profundidad de campo.
Fuente: http://photoextremist.com/bokeh-tutorial
Apuntes de Vampyressa, en este blog podemos encontrar apuntes sobre fotografía e incluso consultar nuestras dudas.
A más de ciento cincuenta años de su invención, la fotografía ha creado y plagiado géneros. Retrato, naturaleza muerta paisaje, reportaje, serialismo, duopresentaciones, el cine, el vídeo, ¿la televisión? Se ha fotografiado con y sin ganas, cansado y despierto, sentado y de pie, por dinero o por ocio, por amor y por odio. Las historias del medio suelen hablar de movimientos y de autores. Y parece que se colocan a un lado a los estadounidenses -son americanos, claro, pero también lo son argentinos, bolivianos o brasileños- y al otro lado se sitúa el resto. O tuvieron más dinero, mejores instituciones, mejor ojo o suerte, lo que sea, pero parece una división ya establecida. Como en todas partes, los hubo más acertados y menos acertados: la estética y el esteticismo son la primera plaga de este arte y un mal extendido por todos los continentes.
Detesto la estética per se porque me parece deudora de una postura escapista. Puestos a repasar imágenes, a leer fotos, pocas veces nos paramos a hacer una lectura crítica de lo que está impreso: sigue dándonos miedo ponernos en contra de algo que consiguió sobrevivir al editor y a la imprenta. Sin embargo, hay que armarse de valor, ver, comparar, mirar a nuestro alrededor y decir, por ejemplo, que ha marcado en exceso un estilo, el francés Cartier-Bresson, que Ortiz -Echagüe era un producto típico del franquismo, que a Bernard Plossu le sobra el cincuenta por ciento de su obra -sólo con la mitad sería un genio, con toda levanta dudas-, que Man Ray tiene fotos muy ñoñas recubiertas de una bella pátina artística. Muy pocos fotógrafos conjuntaron una obra crítica. El medio es poderoso, hipnotizador, deslumbrante, propenso a la repetición y al halago. Grandes fotógrafos se le caen a uno de las manos cuando les pide cercanía, sinceridad, algo que rebase las verdades fotográficas. ¿Cuántas fotos, amable lector, viven en tu memoria y te acompañan en tu cotidiana vida? ¿Cuántas te han hecho cambiar de opinión sobre un tema, una manera de ser o comportarse; cuántas te han ayudado a ponerte delante de ti mismo, de tus íntimas mentiras, tus miedos y tus fobias?
¿Cuántas son tan memorables como para que hables de ellas con tu vecino, el portero de tu edificio o con tu madre? No soy un ingenuo: muchos recordaréis ahora las fotos de salgado, las de Hine o Eugene Smith, las de alguna guerra o un atentado, las de algún famoso o las de presentación de una película hollywodiense. Algunos ejemplos valen, pero qué pocos. Que pena. ¿no somos críticos o no nos dejan serlo? Hablemos de Harry Callahan . Fotógrafo inconformista, inquieto, humilde y crítico. Dueño de un estilo propio, a base de probar y equivocarse, no bajando nunca los brazos, la ilusión ni la ambición es uno de los grandes de este siglo. Me interesa mucho cualquiera de sus modalidades creativas, pero hay una que siempre me paraliza: el retrato y el paisaje unificados en su esposa, su hija y los lugares que visitaban los tres durante su vida cotidiana. Todos hacemos posar alguna vez a nuestra esposa delante de un edificio o una puesta de sol para añadirle dimensión humana a lo que recogerá nuestra cámara. Sin embargo, Callahan retrata a su mujer, un paisaje y los vuelve arquetipos.
Ella en un paisaje urbano, frío y nublado detrás. Ella con media sonrisa y detrás muchos árboles y una luz cegadora. Callahan lo hace todo uno: consigue así fotos maestras, creaciones para el museo y también para la memoria. Me interrogo: ¿por qué puso ahí a su mujer, por qué vestida de negro, por qué en un lugar tan desolador? La facultad principal de Callahan es lograr preguntas en el espectador, que así vive la foto, la hace suya, llevándole a la memoria pero también al pensamiento. Decía Cortázar, escritor argentino que sabía mucho de la vida y sus otros lados, que hay lectores macho y lectores-hembra, o sea, pasivos y activos (la polémica sobre macho y hembra que quedó zanjada al pedir perdón Cortázar por la categorización: quedémonos con el concepto). Me temo que la mayoría se vuelca en la pasividad. Pero la culpa no es sólo suya: dice mi amigo Juan Uceda que no se lee más por culpa de algunos escritores, y yo añado que no nos gusta más la fotografía por culpa de algunos fotógrafos. Callahan veía la ciudad, el paisaje críticamente; a su mujer, inserta en ellos, también la miraba críticamente desde el visor de su cámara. Qué valentía creativa, qué sinceridad.
Mira críticamente quien no se solaza en el dolor ajeno, quien no halaga al poder, quien arriesga, se compromete con la verdad, con lo real. Y sobre todo mira críticamente, fotografía críticamente quien “hace una foto para un lector, que, a su vez, tienen derecho a saber que un fotógrafo le está haciendo un guiño a favor de la alteridad, desde su ideología, sus objetivos, su mentalidad (Margarita Leo Andon: Documentalismo fotográfico) “. Quien no toma al espectador por idiota: algo muy común entre quienes se sienten artistas y tratan a su público como a bebés o a ignorantes. Las cartas sobre la mesa: esto es fotografía, señores, yo soy quien soy, ahí va lo mío. Callahan nunca obvió la inteligencia ni burló el desconocimiento del espectador. Creía en él, en el otro. En su serie de fotografías callejeras captó las expresiones aletargadas, ausente de los viandantes con la cámara a la altura de la cadera, magnificando a los sujetos aunque los fotografiaba absortos, poco favorecidos. Andando unos al lado de otros y sin verse, altivos para nadie, perdidos en pensamientos nada relacionados con el pavimento, los semáforos ni el trafico rodante, los anónimos paseantes de las fotos de Callahan están representando a nuestra sociedad, de nuevo son personas y a la vez arquetipos; vistos críticamente pero sin maltratarles, sin presentarlos junto a sus miserias o su vacuidad existencial.
Todos son importantes para Callahan, que se fija en ellos un poco antes de fotografiarlos y luego los observa en el papel para preguntarles mudamente, para preguntarse a sí mismo. Nunca los utilizó: los buscaba. En la serie de rostros callejeros, casi presentados como en las fotos de carnet, Callahan dejó el fondo y el entorno desenfocados porque quería que nos mirásemos en esas caras, que buscáramos rasgos, expresiones, pensamientos a flor de piel que nos identificaran o nos llevaran a meditar. No es algo que él hiciera por primera vez, pues también realizó una serie semejante, en el metro, Walker Evans. Críticos ambos, nos muestran a seres en su vida más normal, sin alterar su realidad, y despojan con su cámara la existencia de su primera capa, la más transparente y que podríamos llamar rutinaria, para llevarnos más adentro, donde el ser humano empieza a ser el mismo, con dudas llenas de fe y fe llena de dudas. Y acaso ésta es una función básica de la fotografía crítica: mostrar esa verdad humana que una sociedad consumista, engañada y en manos de poderes sólo a medias entrevistos nos está hurtando como el mago cuando hace brotar y desaparecer sucesivamente de sus dedos y la palma de sus manos esas monedas que nos deslumbran y nos convierten en espectadores todo ojos, olvidados de nosotros mismos y de nuestras más autenticas necesidades.
Fuente: Paco Ortiz
Para el tutorial me he basado en un tutorial de un tal Roland Wyant encontrado en una recopilación de utilidades y que puede leerse en Using the FFT filter to remove photographic paper texture, es decir ‘Uso del filtrado FFT para eliminar textura del papel fotográfico’.
Una versión más actualizada de dicho tutorial en el que se proporciona una acción de Photoshop para automatizar los pasos puede obtenerse en el artículo FFT Filter with Photoshop Action.
Para la implementación de la FFT emplearemos un plugin de dominio público para Photoshop programado por Alexandre V. Chirokov.
Fig. 10 Comparación antes/después del destramado.
Nos ayudara a crear nuestras composiciones interactivas que reflejan las pinturas de los viejos maestros. pueden explorar, la perspectiva, proporción, equilibrio, objetos cotidianos mezclados con elementos tomados de las obras de arte famosas. artistas más avanzados podrán crear arreglos complejos y, a continuación paint al modo de la pintura para añadir textura y manipular “pinceladas” que hacen su obra más abstracta, pictórica. Utilice el compositor para crear sus obras, a continuación, cambie al paint para añadir texturas interesantes. El botón RANDOM generará combinaciones de forma automática, por lo que es una manera simple de probar las opciones de menú. Pruebe los diferentes menús y botones para averiguar lo que pueden hacer. Puede tomar unos minutos para cargar el programa la primera vez que lo utilice.
Simulador para bodegón (stilell life)
http://www.nga.gov/kids/zone/stilllife.htm
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