La diapo

La diapositiva es una fotografía positivada sobre un material transparente montado sobre un marco de plástico rígido, y cuyo correcto visionado se realiza mediante el uso de un proyector sobre una pantalla.

La diapositiva blanco y negro

La diapositiva blanco y negro se obtiene por lo general, de la misma película que se utiliza para el negativo. Esta diapo, se utiliza mucho cuando se necesita realizar proyecciones en blanco y negro para mostrar documentaciones.
Hay una película diapositiva blanco y negro de Agfa, pero no se ha introducido de lleno en el mercado. Para saldar esta falta, se han creado procesos alternativos para conseguir diapositivas, partiendo de películas blanco y negro convencionales. 

La diapositiva color

La primera película color de la historia, fue la diapositiva Kodacrome, introducida por Kodak al mercado en el año 1936. Hay dos clases de diapo color, las compensadas para utilizarse con luz solar (día) y para utilizar con luz de tungsteno o artificial. Lo más común es utilizar la película de luz de día, y de ser necesario, compensar la temperatura del color con una serie de filtros.

La película diapositiva es muy utilizada en el campo profesional, ya que brindan una mayor calidad en comparación con las películas negativas color. Por este motivo, muchos fotógrafos la utilizan como “MASTER” u original, y las reproducen según la necesidad, convirtiéndola en negativo blanco y negro o color. Para utilizar este tipo de película es necesaria cierta experiencia, ya que el menor error de exposición hace que el fotograma se aclare o oscurezca, y no hay una segunda oportunidad de corrección como sucede con los negativos en el momento del copiado (lo mismo pasa con el filtrado de la temperatura del color).

Para poder visionar este tipo de imagenes,se hace imprescindible el uso de un proyector

Fuentes; Monografias

HENRI CARTIER BRESSON

HENRI CARTIER BRESSON
1908 – 2004

 

Célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus “images a la sauvette”, que vienen a significar con más precisión “imágenes a hurtadillas”. Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo de André Lhote en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse a la fotografía. Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente(1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del cineasta Jean Renoir.

Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la buena conservación de su obra.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano “Victorie de la vie”, la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Céreste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson – Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

 

 Fuentes:

Fundacion Cartier Bresson

Wikipedia

Luzdia

Edwin Herbert Land, Polaroid

(Bridgeport, 1909 – Cambridge, 1991)

Físico e inventor norteamericano.En 1928, desarrolló el primer filtro polarizador sintético. Como no estaba vinculado formalmente a ninguna universidad o entidad de investigación, debía usar en la noche los laboratorios de la Universidad de Columbia. Tras varios años de trabajo, en 1932 fundaría los Laboratorios Land-Wheelwright, que en 1935 adoptaron la denominación de Polaroid.

En 1947 creó la famosa cámara Polaroid Land, sorprendió al mundo presentando ante la Sociedad Óptica Estadounidense la primera fotografía instantánea: una cámara que revelaba en positivo la imagen en tan solo 60 segundos. Este invento fue el buque insignia de la empresa hasta la aparición de la fotografía digital.

El “milagro” consistia en  un procedimiento basado en el empleo de plata soluble, se podía obtener una copia de la fotografía en cuestión de un minuto.

Comercializado a partir de 1948, se vendieron, en sus diversas versiones, más de 100 millones de unidades.

Tenía tantas aplicaciones que pronto tuvo gran éxito, siendo usado incluso por los militares, de los cuales se convirtió en un importante suministrador durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, su invención más importante ocurrió en tiempos de paz.

Nacia asi la famosa Polaroid

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El procedimiento de revelado instantáneo se basa en el uso del negativo, sobre el cual se ha depositado una emulsión de sales de plata, y un papel fotográfico que contiene los agentes químicos que propician el revelado, contenidos en cápsulas microscópicas. Después de la exposición, ambas películas entran en contacto y son aplastadas entre dos pequeños rollos, lo que provoca la liberación de esos agentes químicos. Después de unos segundos, el papel se despega del negativo y se obtiene el revelado

Su popularidad alcanzó la cima en 1991, cuando las ventas alcanzaron los 3.000 millones de euros. Sin embargo, fracasó a la hora de adaptarse a la revolución fotográfica digital

Polaroid se declaró en bancarrota en 2001 pero ahora, con la mirada puesta en el futuro, los ejecutivos de la empresa han asegurado que entre sus proyectos figura la venta de productos para fotografía digital y televisores de alta tecnología.

En febrero de 2008 Polaroid anuncia el fin de la fabricación de película para sus cámaras,que dejó de fabricar en 2007. Actualmente la marca se encuentra en una fase de reposicionamiento en el mercado, buscando productos nuevos que fabricar aprovechando las sinergias con sus anteriores productos y realizando una transición al mercado digital.

Acaba de nacer el proyecto imposible y los aficionados a la pola, estan de enhorabuena,sus famosos carretes ya estan disponibles

Enlaces relacionados

The Impossible project

grupo en flickr

Polaroid

Wikipedia

Robert Doisneau

Francia, 1912-1994

Nació en 1912 en Francia. A fines de 1929 se dedicó a la fotografía en calidad de autodidacta.

Su carrera como fotógrafo profesional comenzó en 1934 como fotógrafo publicitario e industrial; luego sirvió en el ejército Francés hasta 1940 y trabajó para la resistencia hasta el final de la guerra.

En 1949 firmó un contrato para la revista VOGUE para la que trabajó hasta 1952 como fotógrafo permanente y más tarde como colaborador independiente. A través de VOGUE el fotógrafo penetró en los círculos de la alta sociedad, a los cuales no consideraba con mayor simpatía que el modesto hombre de la calle.

Tampoco ingresó en la historia de la fotografía como fotógrafo de moda. Doisnau debe mas bien su celebridad a la fotografía callejera. Sus numerosas instantáneas son documentos plenos de humor, pero no desprovistos de melancolía, sobre la vida en los suburbios de París. Así nacieron ciertas imágenes que se convirtieron en iconografías del modo de vida Francés. El ejemplo más famoso es el Beso ante el ayuntamiento, reproducido hoy en millones de ejemplares y que -como ninguna otra imágen- pasó a ser un símbolo de amor jóven y desbordante de alegría en la gran ciudad.

Robert Doisneau era un tipo tímido, que comenzó a los 17 años a hacer fotografías a nivel del suelo: aceras, calles… Poco a poco, se atrevió con una lámpara y, después, con unos niños. Con esta Rolleiflex comenzó a dominar su timidez. Obligado a encorvarse para regular su visor, la cámara le tranquilizaba: “No es agresiva y permite un gesto de cortesía al tener que agachar la cabeza”. La Rolleiflex fue su primera cámara y su calmante durante 39 años, hasta que la cambió por una Leica.

Doisneau se levantaba muy temprano y recorría París para sorprender las imágenes furtivas de la calle, escenas inesperadas, algo curioso para un hombre al que no le gustaba mirar a la gente a la cara. “París es un teatro en el que se paga el asiento con el tiempo perdido. Yo me planto allí con mi pequeño rectángulo y espero”
Publicaciones de obra gráfica

* La Banlieue de Paris, 1949.
* Los parisinos tal como son, 1954.
* Instantáneas de París, 1956.
* Perros de París, 1956.
* Pour que Paris soit, 1956.
* Robert Doisneau, 1981.
Películas dirigidas:

* Les Visitants du Square, 1992.

Películas en las que fue director de fotografía:

* El silencio es oro, 1947. (René Clair)
* París 1900, 1947. (Nicole Védrès)
* Disparad al pianista, 1960. (François Truffaut)
* Un domingo en el campo, 1984. (Bertrand Tavernier)

Premios y galardones

* Premio Kodak, 1947.
* Premio Niepce, en 1956 y 1957.
* Gran Premnio Nacional de Fotografía en Francia, 1983.

Fuentes:

El Mundo

 Cafe Porteño

El hijo de la miliciana Marina Ginestà dona parte de su archivo a EFE

La colección donada consta de 97 fotografías inéditas de la Guerra Civil y el exilio republicano en Francia y Venezuela y forma parte del archivo familiar de los padres de Periáñez, quienes durante la contienda ejercieron de traductora y oficial del ejército popular, respectivamente.
El archivo original se halla en Francia, donde residen tanto Periáñez como la propia Marina Ginestà, quien en la actualidad cuenta con 90 años de edad.

Entre las imágenes cedidas a EFE se incluyen interesantes escenas de la contienda, tomadas principalmente en Tardienta (Huesca) y Castellón, y muestran a soldados republicanos de la 181 Brigada Mixta, jugando al fútbol o fortificando sus posiciones.
Otras fotografías de la colección muestran los campos de concentración franceses de Argelés y Saint Cyprien tras el éxodo republicano.
La donación ha sido posible gracias al contacto que la Fototeca de EFE realizó el año pasado con la propia Marina Ginestà, protagonista de una de las imágenes más famosas de la Guerra Civil, que ha presidido varias exposiciones y ha sido portada de libros.
El rostro de Ginestà, vestida de miliciana y con el fusil al hombro, fue inmortalizado el 21 de julio de 1936 por el fotógrafo Juan Guzmán en la azotea del hotel Colón de Barcelona. La foto forma parte hoy del Archivo Histórico de EFE.
Extraído de ADN.es

Olympus

Con 90 años de historia a sus espaldas, Olympus ha escrito con letras de oro algunos de los pasajes fotográficos más carismáticos. Nacida en la década de los 50, la serie Pen fue y sigue siendo un auténtico hito. Pero hay más. La compañía fundada por Takeshi Yamashita para fabricar microscopios de alta calidad es, hoy en día, un referente entre los profesionales y aficionados al arte de la luz.

12 de octubre de 1919. Aquel día un joven japonés de 30 años llamado Takeshi Yamashita fundó la empresa Takachicho Seisakusho para ver cumplido su sueño de construir microscopios de alta calidad. Seis meses después lanzaba su primer producto, el Asashi, al que seguirían dos más ese mismo año. Nacía de esta manera la leyenda de Olympus que en 2009 celebra su 90 aniversario de éxitos.Era necesario un nuevo nombre que fuera sinónimo de alta calidad. Con esto se conseguiría que la empresa fuera conocida en todo el mundo y se podrían establecer asociaciones positivas y enriquecedoras.  Una de las ideas originales de Yamashita fue llamar a su nueva empresa simplemente Takachiho, la montaña en la que vivían los dioses en la mitología japonesa. El desafío era encontrar un equivalente internacional que poseyera estas mismas características.   El legendario monte Olimpo, hogar de los dioses griegos, era sin duda alguna la mejor opción. En 1921, Olympus se convirtió oficialmente en la marca registrada de la compañía, estableciendo las bases de lo que hoy es una marca reconocida en todo el mundo.   Hoy en día, a pesar de su enorme contribución a la medicina y a la diagnóstica, la compañía es más conocida por sus cámaras innovadoras. Es una firma muy apreciada por generaciones enteras de fotógrafos de todo el mundo.   Aunque Takeshi Yamashita falleció a finales de los años 50, su sueño se ha hecho realidad. Su espíritu dinámico y creativo perdura y es parte fundamental de la tradición de Olympus. Determinando el futuro de la fotografía La historia de la marca Olympus en el mundo de la fotografía comenzó en 1932 con el lanzamiento de una cámara de fuelle, la Semi-Olympus I. Después de la interrupción causada por la Segunda Guerra Mundial, la historia de Olympus continuó en 1948, año en que la compañía lanzó la Olympus 35. Llamada primero “carterista” por su capacidad de sacar fotografías tan rápido como actúan los carteristas, la Olympus 35 I se presentó en el mercado japonés como la primera cámara de 35 milímetros. En esa época, la fotografía de 35 milímetros estaba dando sus primeros pasos.   Olympus continuaba produciendo y vendiendo cámaras de objetivo doble y de formato medio. Sin embargo, la fotografía en 35 milímetros dominaría el mercado.   Poco después, Olympus se especializó en el cuerpo humano, creando una gran expectación en 1950 con el lanzamiento de la primera cámara para la exploración del estómago. En 1963, la empresa se estableció en Europa con la fundación de Olympus Optical Co. (Europa) GmbH en Hamburgo, Alemania. La evolución continúa Después de cambiar el formato original de 24 x 32 milímetros al presente 24 x 36 milímetros para establecerse en el mercado americano, el 35 milímetros seguía evolucionando. La Olympus 35 S-3.5, lanzada en 1955, fue una cámara de formato de 35 milímetros con muchas novedades. Fue la primera cámara japonesa de obturador-objetivo con una palanca para el avance de la película. La culminación de esta gran serie fue la Olympus 35V.   Olympus presentó otra cámara en 1955: la Olympus Wide. Diseñada específicamente para la fotografía con gran angular -era una Olympus 35V con un objetivo gran angular-, pronto se hizo muy popular porque era muy fácil hacer fotografías geniales sin tener que cambiar de objetivo. La Olympus Wide contribuyó a ese furor por las cámaras con gran angular. En el año 1957 se lanzaron la Olympus Wide E y la Olympus Super Wide. La primera fue, entre otras cosas, la primera cámara japonesa con un medidor de exposición independiente y una palanca de avance de la película con la tecnología “free light value system”. Esto permitía al fotógrafo establecer la velocidad de obturación y la apertura simplemente leyendo el valor de la luz en una pequeña ventana entre el obturador y los anillos de apertura.   El último modelo revolucionario de 35 milímetros en los años anteriores a los sesenta fue la Olympus Ace, que se lanzó en 1958. Fue la primera cámara de 35 milímetros de objetivo-obturador que podía usar objetivos intercambiables. Ha nacido una leyenda Los años 50 y 60 serán recordados siempre por sus aportaciones al mundo, desde la aparición de la televisión en color o la música de Elvis Presley hasta la revolución cultural, los Rolling Stones y la llegada del hombre a la luna. Olympus también cambiaría para siempre el mundo de la fotografía al perseguir una idea muy sencilla: crear una cámara que fuese tan fácil de usar y de transportar como un bolígrafo. Así fue como, en 1959, una elegante cámara acercaba la fotografía a la gente.   La historia de la serie Pen nace de las ideas de su diseñador principal: Yoshihisa Maitani. Ni siquiera él se esperaba que su afición podría tener tanto éxito algún día.   Tras dos años en la fábrica de Olympus, entró a formar parte del equipo de diseñadores labrándose una carrera que le llevaría a participar en el desarrollo de muchas cámaras innovadoras y que le permitiría dejar huella en la historia de la fotografía. 1959 fue el año del nacimiento de la muñeca Barbie, del Mini y también el año en que el mundo entero pudo ver a Marilyn Monroe en el film “¡Con faldas y a lo loco!”. Ese mismo año, Olympus lanzó su primera generación de cámaras Pen.   Para Maitani, el proceso de diseño había comenzado con la idea de crear una nueva cámara que pudiera comprarse por no más de 6.000 yenes, el equivalente a un salario mensual de la época. Este modelo de medio formato presentaba un objetivo D-Zuiko de gran calidad fotográfica y una gran capacidad de transporte. Los 60 y los 70: el boom de la cámara de medio formato Fue durante la época del Por Art cuando la serie Pen se propagó por el mundo. Esta cámara de formato medio utiliza una película de 35 milímetros con la mitad del formato de exposición. Su pequeño tamaño supuso un gran éxito que duró hasta los años 70. Hasta 1961, el 98% de las cámaras eran compradas por hombres. Ese año, con la presentación de la Olympus Pen EE, el porcentaje de mujeres compradoras aumentó hasta un 33%. Pulsar un botón para hacer funcionar la cámara fue el principal motivo de su enorme popularidad.   Después de esta explosión en el mercado, la cámara Pen siguió evolucionando. Compartió protagonismo con los Beatles, la minifalda o Andy Warhol. A la Pen EES la siguieron la Pen D y después la Pen F en 1963. Se presentó como la primera SLR de medio formato del mercado, y podía utilizarse con una amplia gama de 20 objetivos intercambiables.   Otra cámara de la popular serie Pen, la Pen FT, apareció en la misma época que Star Trek y coincidió también con el primer transplante de corazón en 1966. Se vendieron unos 17 millones de unidades, y se trata de una de las cámaras de más éxito en la historia de la fotografía. Hoy en día, es un artículo de coleccionista que se vende en el mercado de segunda mano a precios muy altos.

 

Fuente:  Quesabesde

Olympus

Camaras estenopeicas o Pinhole

Una cámara estenopeica es una cámara fotográfica sin objetivo. La luz produce una imagen que pasa a través de un pequeño agujero. Para producir una imagen nítida es necesario que esta apertura sea muy pequeña, del orden de 0,5 mm (1/50 pulgadas). El obturador de la cámara normalmente consiste en un material que no permite el paso de luz con el que manualmente se tapa el agujero. El tiempo de exposición normalmente es mucho mayor al necesario con cámaras convencionales debido al tamaño de la apertura, pueden ir desde 5 segundos hasta más de una hora.

La imagen puede ser proyectada sobre una pantalla translúcida para poder verse simultáneamente (común para eclipses solares), o sobre una película, o sobre un sensor digital CCD.

 

Invención

Muy temprano en la historia (desde el 500 a. C.), griegos como Aristóteles y Euclides escribieron acerca de cámaras estenopeicas que ocurrían naturalmente, como la luz que pasa a través de una cesta tejida o entretejidos de hojas.^[1]

Sin embargo, los antiguos griegos creían que nuestros ojos emitían rayos que nos permitían ver. Lo que permitió entender mucho mejor a la cámara estenopeica fue descubrir que la luz entraba al ojo en vez de salir de él. Fue Ibn al-Haytham (matemático, astrónomo y físico iraquí del siglo X) quien publicó esta idea en su Libro de óptica (de siete volúmenes; también llamado Kitab al-Manazir, y en latín De Aspectibus or Opticae Thesaurus: Alhazeni Arabis). También inventó la primera cámara estenopeica después de notar cómo salía la luz de un agujero en las persianas. Mejoró la cámara al notar que cuanto más pequeño era el agujero más nítida era la imagen. Realizó la primera cámara oscura.

En el siglo V a. C., el filósofo Mo Jing menciona la teoría de una “imagen que se forma a través de un pequeño orificio”. Shen Kuo (1031-1095) experimentó con la cámara oscura. Fue el primero en proveer sus atributos geométricos y cuantitativos. En el siglo 13, Robert Grosseteste y Roger Bacon comentaron sobre la cámara estenopeica. Entre los años 1000 y 1600 hombres como Ibn al-Haytham, Gemma Frisius, y Giambattista della Porta escribieron sobre la cámara estenopeica y empezaron a explicar con más detalle por qué la imágen se invertía al pasar a través del orificio. Las imágenes estenopeicas permitían ver con seguridad los eclipses de sol, ya que permitían observarlos sin ver directamente al sol.

 

Selección del tamaño de la apertura

En general cuanto más pequeño sea el agujero la imagen tendrá una mejor resolución ya que el círculo de confusión proyectado será más grande. Sin embargo, si es extremadamente pequeño se puede producir mucha difracción afectando a la nitidez de la imagen. Además, cuando el diámetro de la apertura se aproxima al grosor del material se produce un viñetado cerca de los bordes de la imagen porque menos luz logra llegar a estas áreas. Esto se debe a la sombra producida por la luz que entra a un angulo diferente a 90 grados.

Es recomendable que la apertura sea circular (reduce la refracción) y en un material lo más delgado posible. Aunque existe la posibilidad de que este agujero sea realizado mediante un láser, un aficionado puede lograr agujeros con suficiente calidad como para trabajos fotográficos.

Un método muy utilizado es deslijar una hoja delgada de latón o de aluminio (puede utilizarse la de las latas de bebidas) para reducir el grosor al máximo y después crear el agujero con una aguja, al final es necesario girar un poco la aguja y limar los bordes para que el agujero quede lo más uniforme posible.

Jozef Petzval fue el primero que intentó formular una ecuación para el diámetro óptimo. La fórmula utilizada actualmente fue mejorada por Lord Rayleigh y es:

Donde d es el diámetro, f es la distancia de enfoque (distancia entre la apertura y la película) y λ es la longitud de onda de la luz.

Para película en blanco y negro una longitud de onda de 550nm (luz verde-amarilla) ofrece los mejores resultados.

La profundidad de campo es infinita, sin embargo, esto no significa que todo estará nítido sino que, dependiendo de la distancia entre la apertura y la película, todo estará en foco o fuera de foco en la misma proporción.

 

Calculando la exposición y el número-f (radio focal)

El número-f se calcula al dividir la distancia focal de la cámara entre el diámetro del agujero. El diámetro se puede conocer si se conoce el diámetro de la aguja utilizada. La distancia focal es la distancia entre el plano del agujero y el del material fotosensible.

Por ejemplo, si una cámara tiene un agujero de diámetro de 0,5 mm y una distancia focal de 50 mm tendrá un número-f igual a 100 (50/0,5).

Debido al número de diafragma tan grande las exposiciones normalmente tendrán un error de reciprocidad. Esto quiere decir que si el tiempo de exposición es mayor a un segundo para la película o 30 segundos para el papel se rompe la respuesta lineal de éstos a la intensidad de la iluminación y es necesario usar tiempos mayores.

Otra característica de las cámaras estenopeicas es que es posible deformar o multiplicar la imagen al utilizar más de un agujero o modificar el plano del material fotosensible. Por ejemplo, es posible tomar fotografías con perspectiva cilíndrica o esférica. Estas características tienen gran aplicación en fotografía de arte o con propósitos creativos.esta camara presenta un gran avance para la ingeniería de la luz y da lugar a un gran avance tecnologico.

Alguna vez la fotografía estenopeica fue considerada una técnica obsoleta, sin embargo, actualmente se considera una tendencia artística en la fotografía.

 

Efecto de ennegrecimiento en los bordes de la copia o del negativo

En las fotos estenopeicas hechas sobre un plano, se detecta un defecto que consiste en la irregular distribución de la luz, siendo mas intenso en el centro que en los bordes.

El motivo es que generalmente la película se apoya sobre un plano (el plano focal), y esto da lugar a que la luminosidad que llega a los distintos puntos de la película no sea uniforme, ya que salvo el punto del centro, todos los demás están a distancias crecientes con respecto al central, lo que ocasiona que el numero f (apertura relativa=Distancia focal / Diámetro del estenopo) varíe de un punto a otro, siendo tanto mayor cuanto mas lejos esté del estenopo.

A este efecto se suma otro que tampoco carece de importancia, y es el ángulo con que cada punto del negativo ve el agujero del estenopo: el punto central del negativo lo verá como un círculo perfecto, mientras que los demás puntos verán elipses, que van siendo más estrechas cuanto más se alejan los puntos, lo que indica que disminuye su superficie y, en consecuencia, la luminosidad que llega a los puntos alejados del centro.

Para que el total de la superficie fuese uniformemente iluminada, tendría que apoyarse en una superficie que fuese el lugar geométrico de todos los puntos que cumpliesen la condición de que la apertura relativa para su posición fuese constante e igual a la apertura f nominal.

Si pensamos un poco, llegamos a la conclusión de que esa superficie no puede ser otra que la esférica. Pero como es imposible ajustar una película a esta superficie, podemos prescindir de una dimensión, y conformarnos con una superficie cilíndrica de base circular, que en ésta sí podemos ajustar la película.

Si así lo hacemos, conseguiremos una luminosidad uniforme a lo largo de las líneas horizontales, mejorando sensiblemente la calidad del estenotipo, aunque se apreciaría variación de la luminosidad en las verticales que, al ser la menor dimensión, el defecto seria menos visible.

La posición del cilindro focal respecto a la cámara es aquél cuyo diámetro coincide con la distancia focal y es tangente al plano que contiene al agujero estenopeico.

 Construcción de una cámara estenopeica

 

 

MATERIALES - Madera de Okume, grueso 1cm 2 cortes de 13’2 x 11’2cm * 2 de 13’2 x 5’7cm. Laterales 1 de 9’2 x 5’7cm. Suelo 1 de 11’2 x 7’7cm. Techo 2 de 4 x 6cm. Porta roscas - Martillo - Clavos pequeños - Cola blanca para madera - Adhesivo instantáneo - Cinta de terciopelo negro, de un ancho máximo de 1cm - Papel de lija de grano fino para metal y para madera - Aguja del nº13 - Lupa o cuentahílos - Pintura negra mate y pincel - 2 perfiles de plástico negro de 1 x 0’5 x 11’5cm - 2 bisagras pequeñas - 1 cierre - 1 plancha de latón, grueso 0’05 mm, de 10 x 10cm - 2 rocas para trí            * Una de las maderas de 13’2 x 11’2 cm será el plano frontal de la cámara donde ira alojado el estenopo, deberá tener una ventana de unos 3cm de diámetro para evitar que nos haga una mascara en las imágenes.

 

CONSTRUCCIÓN
Para evitar que las imágenes salgan movidas, debido a las largas exposiciones con las que trabaja una cámara estenopeica, es casi imprescindible el uso de un trípode. En las tiendas de accesorios fotográficos, podéis encontrar unas arandelas con una rosca interior de 1/4″, ese paso de rosca, es como el que tienen la mayoría de las cámaras convencionales para fijar la zapata del trípode. Para adaptar las dos arandelas a las maderas de 4 x 6 cm tenemos que hacer un agujero de 9mm en el centro de cada una, y con un destornillador roscarlas en el agujero.
Una vez roscadas las arandelas encolaremos una tabla en uno de los laterales, y la otra en el suelo de la cámara.
Después de haber pulido todas las partes de madera hasta que queden suaves, pegaremos los perfiles de plástico con adhesivo instantáneo en las paredes laterales de la cámara (13×5,7), que servirán de guía para el material sensible. Esta es la operación más delicada de la construcción de nuestra cámara, de ello dependerá el buen funcionamiento de carga y descarga de la película. Procuraremos dejar 1mm de espacio a lo largo de todo el perfil para alojar el material sensible.
El siguiente paso será ensamblar el cuerpo de la cámara. Uniremos primero el suelo con los laterales…
… y luego el frontal y la parte trasera . Antes de unir las partes con clavos las encolaremos para darles mas consistencia. Una vez montado el cuerpo de la cámara puliremos con papel de lija todo el exterior con el fin de darle un acabado uniforme. Seguidamente pintaremos el interior y el techo de negro mate, evitando así cualquier luz parásita.
Para hacer nuestra cámara totalmente estanca a la luz cortaremos 8 trozos de la cinta de terciopelo negro, 4 para pegarlos en el perfil del cuerpo de la cámara y los otros 4 en la tapa o techo. Para pegarlos utilizaremos el adhesivo instantáneo.
Para la colocación de las bisagras tomaremos el techo o tapa, y en el perfil que mide 11’2cm atornillaremos un ala de cada bisagra…
…luego marcaremos con un lápiz los agujeros del otro ala en el cuerpo de la cámara y colocaremos los tornillos. Los tornillos que utilicemos para unir las bisagras al cuerpo de la cámara deben tener una medida inferior a 1cm de largo, para evitar que revienten la madera.
Unido ya el techo a la cámara le pondremos el cierre, que podéis reciclar de una caja de cigarros.
El ultimo paso será hacerle a la cámara un obturador, puede diseñarse se muchas formas y utilizarse cualquier material rígido. Para el que aquí os proponemos hemos utilizado un trozo de plástico negro de grueso 2mm, con un tornillo que hace de eje, y otro de tope.
En esta foto vemos como queda alojado el papel fotografico
El estenopo
Recortaremos de la plancha de latón un trozo cuadrado de 5cm, la apoyaremos sobre una superficie plana y en el centro de la lamina haremos un agujero con la aguja, mecánicamente una broca resulta mas apropiada ya que corta el material en su movimiento de rotación, mientras que una aguja solo puede reventarlo, pero podemos eliminar la rebaba que queda después de pinchar con la aguja frotando la lámina sobre una hoja de papel de lija para metal de grano muy fino. Es importante que el papel de lija se coloque sobre una superficie plana. Después de comprobar si se ha eliminado la rebaba volveremos a repasar el agujero con la aguja y de nuevo frotaremos la lamina sobre el papel de lija, comprobaremos que ya no queda rebaba con una lupa o un cuentahílos. Cuando tengamos listo el estenopo pintaremos la cara interior de la lamina con un rotulador indeleble de color negro y lo pegaremos con unas gotas de adhesivo instantáneo, poniendo especial cuidado en que el estenopo quede centrado con el agujero de la parte frontal de la cámara.
Y el resultado final es:   Artículo ofrecido por: Joaquin Casado

 

 

Fuente:

http://www.foto3.es/web/aprende/pinhole.htm

Enlaces relacionados:

http://www.ojodelata.com.ar/

http://www.kodak.com/global/en/consumer/education/lessonPlans/pinholeCamera/

http://www.pinholeday.org/

 

 

Adios a Kodachrome

Malas noticias para todos aquellos usuarios amantes de la fotografía más antigua y clásica, y todo lo que ella conforma. Y es que según ha informado la compañía Eastman Kodak, al parecer dejará de fabricar y comercializar Kodachrome

La Kodachrome es la la primera película en color de éxito comercial, y desde hace ya muchos años se ha convertido en una de las más valoradas por los fotógrafos profesionales.

Esta película cuenta ya en su haber con 74 años de existencia, desde el momento en el que fue oficialmente presentada y puesta a la venta, pero parece que no ha podido sucumbir al éxito de la fotografía digital.

Según ha indicado la presidenta de la división de películas de Kodak, Mary Jane Hellyar, ha sido una decisión difícil, aunque “la mayoría de los fotógrafos de hoy en día apuesta por hacer fotos con tecnologías más nuevas”.

No obstante, algunos de los últimos carretes serán donados a los museos Cine George Eastman House, en Rochester (Nueva York), y al Museo Internacional de Fotografía.

Pero la propia Kodak ha creado también un sitio en Internet en el que rendir tributo a esta película, en el que celebrarán su 75 cumpleaños y en el que se publica incluso un foro de opinión sobre la misma.

 © Eastman Kodak

La película Kodachrome, creación de Leopold Mannes y Leopold Godofsky, fue presentada, inicialmente en película de 16 mm para cine de aficionados.

 

La decisión se entiende hasta cierto punto, ya que si nos atenemos a que sólo queda un laboratorio en el mundo que revela este tipo de diapositivas (el Dwayne’s Photo Parsons, en Kansas, Estados Unidos), y que un 70% de los ingresos de la compañía provienen del mercado digital, hasta cierto punto es del todo entendible.

 

Fuentes:

haciendo fotos

Kodak

Chema Madoz

Chema Madoz (Madrid, 1958), reconocido fotógrafo español al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y el conjunto de su obra, además de ser respetada por la crítica, está alcanzando unas cotas de popularidad impensables para otros artistas contemporáneos.

Amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes.

José María Rodríguez Madoz nace en Madrid, en 1958.

Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.

En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.

Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.

En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición “Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española” que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.

Ese mismo año recibe el Premio Kodak.

En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro “Chema Madoz (1985 – 1995)”.

Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula “Mixtos – Chema Madoz”.

En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual “Objetos 1990 – 1999″, que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.

En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como “Autor Destacado”. Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).

Galeria fotografica

Web oficial de Madoz

La foto más cara del mundo

la fotografía más cara del mundo hasta la fecha que data de 1904. Su autor es Edward Steichen y fue subastada por Sotheby’s siendo propiedad del Museo Metropolitano de Nueva York, ha alcanzado la cifra de 2,4 millones de euros.

Edward Steichen nació en 1.879 en Luxemburgo. A los 16 años empezó como fotógrafo y a los 21 se fue a París a estudiar pintura. En 1.905 abrió en Nueva York, junto con Alfred Stieglitz, la galería Gallery 921. Al año siguiente volvería a París para regresar en 1.923 a Nueva York para dirigir revistas tan famosas como Vanity Fair y Vogue. Se retiró en 1.938 y en 1.947 fue nombrado director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).